Nuværende udstilling:

Experiments in Situ

Experiments in Situ explores consciousness in an age shaped by artificial intelligence. Revisiting René Descartes’ famous doubt — “I think, therefore I am” — the exhibition asks whether superintelligent machines can ever become conscious, and what a screen-saturated culture means for human intentionality, presence, and our capacity to dwell in the here and now.

Rather than offering finished answers, the exhibition unfolds across three gallery rooms as a series of experimental spaces. Through photography, projection installations, and participatory workshops, visitors are invited to think, feel, and reflect alongside the artists.

For workshops featured as part of the exhibition, see the workshop page.

 

Front Gallery

Screen Installation: The Evolutionary AI‑Trap & Perceptual Loop

At the heart of the front gallery is a modified TV screen installation in which the polarising film has been removed. The image can only be perceived through external filters suspended in the space and through specially adapted eyewear, making vision itself an active, embodied process.

The screen presents two looped works:

The Evolutionary AI‑Trap
This work introduces visitors to the scientific and philosophical debate surrounding AI consciousness. Drawing on evolutionary theory, philosophy of mind, and contemporary AI research, it asks whether intelligence alone is sufficient for consciousness — or whether something fundamentally human is missing from even the most advanced machines.

Perceptual Loop
Turning the lens back on the viewer, this work examines screen addiction and the self‑referential feedback loops of contemporary digital culture. The unusual optical setup invites visitors to meet themselves eye to eye, confronting their own self‑awareness, intentionality, and the transient nature of lived experience.

Concept co-development by Kim Wyon & Rika Yasui

 

The Dark Spaces:

 

The Gallery Bathroom

Sound and and Image Installation: Dream Logic for a City

The experimental installation combines light, sound, and photographic fragments, exploring the city as a structure of perception shaped by memory, rhythm, and reflection, and how this collective experience becomes intimate through individual encounters.

Unfolding as a slow environment of interdependent materials, the installation responds to the presence of visitors. Rather than depicting a specific urban landscape, the work treats the city as a form of consciousness, completed by the visitor’s listening, movement, and stillness.

Concept co‑developed by Alexandra Shander & Karl Chueiri Heding

 

Back Gallery

Projection Installation: Moments You Will Forget

This participatory installation reflects on human sentience and intentionality: how consciousness navigates the continuous stream of sensory impressions that surround us. Only a fraction of what we perceive is ever processed, while most moments pass unnoticed — disappearing from memory almost instantly.

Twenty‑eight black‑and‑white analogue photographs are projected for 20 seconds in a loop. Visitors are invited to memorise a single image and describe it in writing. These descriptions are then displayed in the gallery, forming a growing archive of perception, memory, and interpretation.

The images mirror the texture of everyday experience: some appear almost motif‑less, others draw on familiar cultural codes, while some remain ambiguous and difficult to decipher — the kinds of moments our cognitive processes often disregard.

Concept and imagery: Kim Wyon

 

Still Camera Video Projection: Shinrin yoku (Forest Bathing)

Inspired by the Japanese practice of shinrin yoku (forest bathing), this still camera video projection of a Danish woodland invites visitors to slow down and enter a meditative state of attention. In a culture dominated by screens and acceleration, the work offers a quiet counterpoint: an encounter with nature, experienced through projection.

Over ten minutes, the projection seeks to cultivate calm, presence, and embodied awareness — even while remaining inside the gallery. Yet the work holds a productive tension: the meditative state unfolds not through direct immersion in the forest, but through its screen-based representation.

Rather than resolving this paradox, the installation leaves it open. What is gained, and what is lost, when smell, temperature, and tactile sensation are replaced by light and image? Can a projected forest ever fully stand in for the sensual complexity of the real one — or does this mediated encounter reveal something about how presence, perception, and care are increasingly shaped by technological interfaces?

Concept and imagery: Rika Yasui

 

Previous exhibitions:

 

“I was looking for a ghost and I found its silver bones”

Photography exhibition – capturing the ghosts and spirits of Japan. By Sara Bensaltana

What lingers after we depart? In this exhibition, Sara Bentsaltana traces the specters of the Japanese landscape through distressed photography, abandoned shrines, skeletal ruins, and homes suspended between utility and decay. Rooted in the concept of kamikakushi—the phenomenon of being “spirited away”—the work emerged from the artist’s 2024 residency at Koganecho Area Management Center in Yokohama.

These often-overlooked sites resonate with invisible presences and layered histories. They function as portals between the visible and the unseen, appearing as though their occupants vanished in an instant, leaving behind silent witnesses to interrupted lives. As nature reclaims these spaces with moss and dust, a sense of suspended time takes hold.

Alongside landscape imagery, Bentsaltana presents archival portraits sourced from Japanese flea markets. Many bear the marks of “silver mirroring,” a chemical degradation where silver resurfaces from the emulsion. Here, silver becomes both material and metaphor—the ghost itself. Inspired by omokage (the trace, or the flickering image of someone no longer present), the work reflects on what endures after disappearance: not a survival of the original form, but a haunting transformation.

 

Exhibition period:

4-18 January

15:00-19:00

Free admission

 

Meet the artist on the following days:

Wednesdays-Sundays

Events:

Vernissage: 4 January 15:00-19:00

Reading by the artist: 10 January 16:00

Finissage: 18 January 15:00-19:00

Read more about the artist: https://sarabensaltana.com/

 

 

 

 

 

 

Dark Gallery Takeover

Alfonso Gutierrez, Christian Rischel and Jess Lycoops

Baglokalerne i Dark Gallery CPH er i denne periode forvandlet af tre fotografer, der hver især sætter deres særlige præg på rummene. Her kan du gå på opdagelse i alt fra analoge og digitale fotoudstillinger til mixed media-installationer og artist talks.

I det mørklagte LAB tager en pandelampe dig med helt tæt på asfaltens skjulte skønhed. I et oplyst gallerilokale og tilstødende badeværelse møder du værker, der åbner døren til queer-kunstens univers og til det intime, familiedokumentariske fotografi.

En sanselig, nysgerrighedsvækkende rejse gennem tre kunstneriske blik – i galleriets baglokaler.

Exploring Asphalt af Christian Rischel
Christian Rischel fotograferer vejbelægning, afstribning og andre overflader og stræber efter et udtryk, der deler slægtskab med de minimalistiske malere – ikke mindst Barnett Newman. I denne udstilling retter han blikket mod asfalt som motiv. Ser man grundigt efter, rummer asfaltbelægningen et væld af teksturer, farver og mønstre. Rischel viser en række værker, hvor udsnit af vejens overflade forvandles til harmoniske kompositioner.

Flygtige minder om barndommen af Jess Lycoops
Gennem skildringer af familiers hverdag og eksperimenter med polaroid-overførsler, der tilfører barndomsminderne en drømmeagtig og taktil atmosfære, inviterer dokumentarfotograf Jess Lycoops besøgende til at reflektere over barndommens flygtighed i en digital tidsalder.

Barndomsminder forsvinder gradvist – især dem fra vores tidligste år. Mange bliver diffuse eller falder helt bort. Husker vi vores barndom gennem egne oplevelser, eller gennem de billeder og fortællinger, vi er vokset op med? Duft, smag, genstande og fotografier kan for en kort stund føre os tilbage til et glemt øjeblik eller en forsvundet følelse. Men hvad sker der med en generation, hvor familiealbums ikke længere står i reolen, selvom minder er afgørende for vores identitet? Vi tager flere billeder end nogen generation før os – men ser vi dem ofte nok til, at de faktisk bidrager til at fastholde vores minder?

Queer Arts Omnibus af Alfonso Gutierrez
Queer Arts Omnibus er arbejdstitlen på denne og kommende udstillinger, der udforsker queerliv, historie, køn, seksualitet, identitet og kultur gennem et queer-perspektiv. Serien undersøger også de geopolitiske dimensioner af det normative samfund, set gennem Alfonso Gutierrez’ blik.

Ved The Dark Gallery Takeover er udstillingen organiseret omkring fem sammenhængende temaer:
• Whole Festival – queer festkultur og politik
• Soul and Body – performancekunst som udtryksform
• Night on Earth – portrætter af non-binære og transpersoner i urbane landskaber
• Feeling Alienated – fremmedgørelse set indefra
• Sex – Through the Looking Glass – en reflektion over begær og identitet

Med teknikker som fotomontage, collage, découpage, maleri og eksperimenter med forskellige materialer skaber udstillingen en sanselig og interaktiv oplevelse af disse temaer. Både analoge og digitale fotografier indgår, alle printet med Giclée-teknik. Samtlige værker er originale og skabt af Alfonso Gutierrez.

 

Åbningstider

4-14 December

Alle dage: 14:00 – 18:00

Gratis adgang

 

Events:

Fernisering : Lørdag 6. december 16:00 – 18:00

Finissage : Lørdag 13. december 14:00 – 16:00

 

Foredrag og samtaler:

“Documentary Family Photography – Fleeting Childhood Memories” med Jess Lycoops. Onsdag 10 december 18:30 – 19:30. Gratis adgang

“Exploring asphalt” med Christian Rischel. Onsdag 11 december 18:30 – 19:30. Gratis adgang.

 

Mød kunstneren:

Jess Lycoops: 5. + 10. december kl 14:00-18:00.

Christian Rischel: 7 + 11. december kl. 14:00-18:00.

 

 

Tidligere udstillinger:

Shaped by the Sea

Gennem fotoudstillinger, workshops og talks udforsker udstillingen “Shaped by the Sea” krydsfeltet mellem kunst og videnskab i vores forhold til havet – fra cyanotyper og tangtryk til analoge eksperimenter. Tilrettelagt i samarbejde med Kend Dit Hav

”Shaped by the Sea” udfolder sig som en eksperimenterende fællesudstilling, der undersøger, hvordan havet former menneskelivet og de materialer vi omgiver os med.

Gennem visuelle processer og håndværk udforsker kunstnerne, hvordan vi relaterer os til havet. Hvert værk udfolder en samtale og inviterer besøgende til at genopdage, hvordan vi opfatter, sanser og værner om det hav, der omgiver os – og som fortsat former vores fælles eksistens.

Udstillingen er kurateret af arkitekt Marina Holst. Sammen med arkitektstuderende Julia Laura Finch og arkitekt og kunstner Sólja Eyðfinsdóttir omsættes havets planteliv til eksperimenterende cyanotypier, en analog fotografisk teknik også kaldet lystryk. Kend Dit Hav arrangerer drop-in tangtryk-workshop med inspiration til cyanotypi-workshoppen. Grafisk designer Henrik Holst afholder drop-in “travel kit” mørkekammer events, og fotograf Karoline Hill sætter i en dokumentarisk fotoudstilling fokus på vores drømme om havet set gennem det traditionelle træskibskultur og det maritime fællesskab.

Udstillingen “Shaped by the Sea” er tilrettelagt i samarbejde med Kend Dit Hav – et initiativ fra Aarhus Universitet, der sætter fokus på at øge bevidstheden om havmiljøet og inspirere nye generationer til at udforske, forstå og beskytte vores hav gennem læring, forskning og kreativt engagement.

Sideløbende med udstillingen inviteres besøgende til at møde kunstnerne bag værkerne og deltage i drop-in events og workshops på galleriet med fokus på udstillingens temaer og kunstneriske teknikker og analoge processer.

 

Gratis adgang til udstillingerne.

Udstillingsperiode 19-30 november
Hverdage kl. 15:00-18:00
Weekender: kl. 11:00-16:00

 

Workshops:

Workshops afholdes på dansk og engelsk.

“Drop-in Seaweed Print Workshop”
Fredag 21. november
I samarbejde med Kend Dit Hav.
Gratis

“Cyanotypi på tekstil”
Søndag 23. & 30. november kl. 12.00–16.00
Arrangeret af Julia Laura Finch, Sólja Eyðfinsdóttir & Marina Holst

Pris: 100 kr. Tilmelding via SMS til +45 4029 9505

 

Events

Fernisering:
Torsdag 20. november kl. 16.00–18.30

Drop-in: Darkroom Development (travel kit)
Torsdag 20. november kl. 16.00–18.00
Fredag 21. & 28. november kl. 14.00–17.00 Arrangeret af Henrik Holst

Meet the Artist: Karoline Hill
Torsdag 27. november kl. 12.00–16.00

 

 

Ultraweak Photon Emission

Naturens aura – fotoudstilling af den taiwanske fotograf Yin-Rou Hwang

Den taiwanske fotograf Yin-Rou Hwang forvandler livets usynlige lysskær til stemningsfulde natur- og landskabsfotografi. Oplev stoflige analoge fotos i kontrast til vægskærmes computerlys – og skab egne selfies med en aura af liv med din mobil.

Naturens biologiske lys er den kunstneriske ledetråd hos den taiwanske fotograf Yin-Rou Hwang. Det stoflige i hendes fotografiske værker opnår kunstneren ved at anvende klassiske mørkekammerteknikker som dobbelteksponering samt afbrænding, blegning og indfarvning. Ved hjælp af lav-ISO-film, høje blændetal og lange eksponeringstider afspejler hendes sort-hvide naturfotos selve livets aura.

Udstillingstitlen Ultraweak Photon Emission henviser til det naturlige lys, som alle levende systemer udsender – planter, dyr og selv vores egne celler. Det er dette ultrasvage lys, der er usynligt for det blotte øje, som Hwang omsætter til fotokunst. Motiverne udstillet i galleriets dagsoplyste forlokale omfatter natur- og landskabsfotos fra hendes rejser til Angel Tear Lake og Lanyu-øen i Taiwan, Gangesfloden i Indien samt Giza-pyramiderne i Egypten.

I badeværelset – der er en af galleriets mest populære udstillingsrum – inviteres publikum til at eksperimentere med deres mobilkamera. Ved at indstille mobilen til høje blændetal, tilføjes billederne et naturlyrisk lysskær af selve ”livets aura”. I galleriets primære Dark-lokale vises Hwangs fotokunst imidlertid i fuld farvetone på lysende vægskærme, en installation som leder tanken hen computer-pausebilleder. I skarp kontrast forlokalets stoflige naturfotografi minder disse golde skærmbilleder os om den visuelle dybde, som naturligt lys og stoflige overfladestrukturer tilfører fotografiet.

Læs mere om kunstneren her: https://yinrou.mystrikingly.com/

Gratis entre

Udstillingsperiode

21 oktober – 9 november 14:00-17:00

 

Events

Pre-opening 21 oktober 14:00-17:00

Fernisering 25 oktober 13:00-18:00

Finissage 1 november 13:00-18:00

 

 

 

 

 

 

Broen – The transition of connection.

En fotoudstilling af livet på Dronning Louises Bro

Oplev den New Zealandske fotograf Michael Collinges portræt af livet på Dronning Louises Bro – et mødested under åben himmel. En fotoudstilling om fællesskab, mangfoldighed og byens puls.

Fotoudstillingen præsenterer en serie portrætter af de mange folk, der benytter broen til både samvær og samtale. Udstillingen undersøger hvordan dette stykke urbane infrastruktur – et forbindelsesled mellem Nørrebro og indre by – afspejler nye måder at benytte byrum.

Alle billederne i udstillingen er taget med et analogt Mamiya RZ67 mellemformatkamera.

“Jeg valgte at fotografere med et klassisk analogt kamera af flere grunde. Det gjorde det lettere for mig at komme i kontakt med folk, da mange blev nysgerrige ved selve kameraet. Desuden får billederne et mere tidløst fotografisk udtryk. Det mest positive i processen var dog selve mødet med menneskerne – de var begejstrede for projektet og delte gerne deres historier. På sin vis blev selve processen det mest spændende ved projektet,” siger Michael Collinge

Udstillingen har åbent hver dag fra 3.-18. oktober. I weekenden kan man i åbningstiden møde fotografen, der er bosat i København, og høre mere om hans projekt og hans store interesse for gadefotografi og kulturportrætter.

Udstillingsperiode:
3.–18. oktober

Åbningstider:

Mandag–fredag: 14.00–18.00
Lørdag–søndag: 14.00–19.00

Gratis entré

Fernisering:

Torsdag 2 oktober 15.00-18.00

 

 

Dark Side of Love: 16-28 september

Dans sa moitié, ma moitié je colle: 18-28 september

Man-Fre 13.00-17.00

Lør-Søn 13.00-18.00

Begge udstillinger er del af Golden Days – Kærlighed

 

Dark Side of Love

Udstillingen består af 3 bidrag:

Det Osynliga af Andreas Paulsson

Heartbreak af Kim Wyon

Love Letters af Agnieszka Smolenska, Alexandra Shander, Alfonso Gutierrez, Ivan Aguilar, Jess Lycoop, Karoline Debora Hill, Loui Moon, Sasha Gartside Knudsen, Zuzanna Stachlewska.

 

Det Osynliga

Den svenske fotograf Andreas Paulsson oplevede massiv medieopmærksomhed med fotoudstillingen ”Alla är vi nakna” (Vi er alle nøgne), der fandt sted på Malmø Stadsbibliotek i 2022. En vred biblioteksbruger klippede Andreas Paulssons kønsorgan ud af fotografens eget mandshøje selvportræt, og dette hærværk blev starten på en offentlig debat i Sverige om retten til nøgenhed.

På Dark Gallery CPH i København kan man i perioden 16-28 september opleve fotografens seneste udstilling, ”Det Osynliga” (Det usynlige) som del af gruppeudstillingen ”Dark Side of Love”. Her, i et mørkelagt baglokale, opfordres gallerigæster til at klistre et stykke tape på en nøgenmodel – netop på den kropsdel, der volder ens eget selvværd flest kvaler.

”Udstillingen søger at indfange det, der normalt forbliver ufortalt, når vi møder andre mennesker – vores manglende selvtillid, men også vores fysiske og psykiske traumer. I galleriets mørkelagte udstillingsrum, får man som gæst mulighed for at frigøre sig fra sine indre dæmoner – og måske føle sig lidt lettet i sjælen, når man igen træder ud i byens dagslys,” siger Andreas Paulsson

Heartbreak

Besøgende kan også gå på opdagelse fotoinstallationen “Heartbreak” – i et brummende køleskab i galleriets mørkelagte badeværelse. I en sammenblanding af vakuumpakkede køddele og håndprintede analog fotokunst sætter kunstner Kim Wyon vores knuste kærlighedsdrømme stævne.

Dark Gallery CPH er et kunstnerdrevet fotogalleri med fokus på eksperiment og fortælling,” siger galleristifter Kim Wyon. ”De mørklagte lokaler udfordrer vores forventninger og vaneforestillinger. Lyset fra køleskabet er den eneste lyskilde man har, når man går på opdagelse i min fotoinstallation ”Heartbreak”. Køleskabet lugter af kød og fugt – og man skal selv finde fotos frem mellem pølser, nyrer og klove. Vi er alle mennesker af kød og blod. Men hvornår sejrer kærligheden – og hvornår er man blot endnu et slidt datomærke på dating-kødmarkedet?”

Love Letters

I installationen ”Love Letters” i et tidligere køkken kan man læse længselsfulde kærlighedsbreve. Her deler otte af galleriets partnere og en enkelt gæst deres personlige hjerteblod i kombination med falmede kærestefotos.

Gør det ondt at være ærlig – eller er der håb i mørket

 

 

Dans sa moitié, ma moitié je colle

Kærlighedens arkæologi – fra hjertesorg til spirende nyforelskelse – er temaet i en fotoudstilling af den spansk-franske kunstner Sara Bensaltana.

Det sensuelle udtryk i hendes fotoserie opnår kunstneren ved at kombinere forskellige fotokemiske teknikker med lysreflekterende tekstiler. De analoge fotografier opnår karakter af drømmemalerier ved hjælp af kemiske indfarvninger og ved at udviske motivelementer, så de fremstår i erindringens tåge.

Selv siger kunstneren om sin kunstfotoserie: ”Jeg er opdaget af, hvordan vores erindring aflejres i det materielle, og hvordan vores sårbarhed indfanges af det fotografiske lys.”

Læs mere om kunstneren her: sarabensaltana.com

Fernisering: torsdag d. 19. sept. kl. 17.00-19.00

 

Mød kunstneren i åbningstiden 5-7 september.

Udstillingen har åbent:

5/9-14/9, man-fre kl. 13-17, lør-søn kl. 13-18

 

Et øjebliks stilhed – den ubevidste kærlighed

I galleriets mørklagte Dark Spaces søger Rika Yasui Hammen at illustrere de små øjeblikke, hvor man mærker kærligheden.

Kunstneren, der selv er nutidsmor, mærker det mentale pres i hverdagen, hvor kærligheden til forældreskabet, til barnet og til sig selv mere virker som en masse brudstykker, der opstår sporadisk i en kaotisk tid, hvor overlevelse fylder mere end det burde.

”Vi tør ikke sige højt, hvis vi ikke føler kærlighed til vores børn, siger kunstneren, men vi kan ofte anerkende glæden i øjeblikkets stilhed – de små, flygtige øjeblikke af lettelse, hvor nærværet får plads og kærlighed alligevel opstår, bevidst eller ubevidst,” siger kunstneren.

Rika søger at skabe rum for refleksion og genkendelse og foreslår, at fraværet af følelser også er en del af kærlighedens spektrum.

Billederne er taget i spontane øjeblikke: enten hvor barnet selv har taget kameraet i brug, eller hvor barnet er faldet i søvn, og forældrene betragter stilheden.

Videoen er et montageværk af korte sekvenser, hvor barnet alene bevæger sig rundt i sin egen verden med et kamera – uden for de voksnes synsfelt.

Foto- og filminstallationen er en del af Golden Days – Kærlighed.

5.-14. september, man-fre 13:00-17:00, lør-søn 13:00-18:00

 

 

In Her Silence – fotokunst om tavshed, skæbne og erindring

Hvad sker der, når sygdom stjæler et menneskes stemme?

I denne dybt personlige udstilling dykker fotograf Claudia Dons ned i familiens fotoalbums, dagbøger og gamle båndoptagelser for at genskabe sin mormors stemme, der langsomt blev forstummet grundet MSA – en aggressiv form for Parkinsons sygdom.

Gennem storformatprints, der blander egne fotografier med nyfortolkninger af hendes morfars billeder, inviterer Claudia Dons os ind i sin mormors verden og afdækker sygdommens skæbnespil samt forfølger egne erindringer. 

Hun genbesøger de steder, der engang var familiens fælles verden, og har skabt en fotoserie med langtidseksponeringer, der på stille og underfundig vis fortæller historien om fravær og tavshed. Hendes fotokunst stiller enkle, men stærke eksistentielle spørgsmål: Kan tavshed lindre vores smerte? Kan den tale på vores vegne?

Besøg Claudia Dons’ soloudstilling ”In Her Silence” og oplev en nærværende og fængslende billedrække, der minder os om, at tavshed kan være en udtryksform, der rummer lige så stor fortælling som det talte ord.

 

13.-31. august 2025

Ons-Fre: 14.00-19.00

Lør-Søn: 13.00-18.00.

 

Events:

Fernisering:  13. august kl. 16.00 – 19.00.

“Meet the artist” kl 12:00 – 16:00 på følgende lørdage:

16., 23., 30. august

 

Finissage – Musik & Bobler: lørdag 31. august, kl. 15.00-18.00

 

A Breath of Time

Fotografiske refleksioner over tid, smerte og krig. Hvordan opleves tid, når kroppen gør ondt? Hvad afsløres i blikket efter et spørgsmål om Gaza? Hvordan føles digital tavshed under et luftangreb? Og kan et fotografi fastholde øjeblikket i tidens strøm?

Fotoudstillingen har bidrag af 4 kunstnere, der sætter fotografisk fokus på begreberne tid, smerte og krig.

Loui Moon (DK) visualiserer oplevelsen af at leve med kronisk sygdom, hvor tiden snegler sig afsted, og kroppen føles som et fængsel. Hendes værker trækker den etymologiske betydning af “kronisk” (Chronos, den græske gud for tid) og indkapsler fornemmelsen af at være fanget i tid.

Maryam Mazaheri (Iran) har skabt en deltagerbaseret væg med håndskrevne vidnesbyrd fra mennesker, der under de nylige amerikansk-israelske luftangreb i Iran, hvor internettet var utilgængeligt, ikke kunne komme i kontakt med deres familie. Besøgende inviteres til selv at bidrage med fortællinger om afbrudte forbindelser, sorg og digital tavshed.

Cidinha Bendixen (Brasilien) viser With Eyes on Gaza – et projekt, der reflekterer over forskellige perspektiver på situationen i Gaza. Hvert portræt er taget lige efter, at personen er blevet bedt om at dele sine tanker om konflikten.

Ivan Aguilar (Mexico) udfordrer Cartier-Bressons tese om det “afgørende øjeblik” i fotografiet og stiller spørgsmålet, om øjeblikket overhovedet kan fastholdes i tidens uendelige strøm.

Om Rookie-programmet
Alle fire bidragsydere er en del af galleriets rookie-program, som tilbyder en platform til spirende kunstnere. Galleriets rookies deltager i tre årlige gruppeudstillinger i galleriet. Kunne du tænke dig at være med? Læs mere på siden “Bliv Partner” på galleriets hjemmeside.

Udstilling: 2.–10. august, kl. 13.00–18.00 alle dage.

Fernisering: Lørdag den 2. august kl. 14.00–18.00.
Der vil være performances kl. 16.00 med ULYD og Loui Moon.

 

Documentarian 1

– Nye stemmer i fotodokumentarismen

Kurateret af Luke Adekoya Campbell

Documentarian 1 samler seks nye fotografiske stemmer fra hele verden i en udstilling, der undersøger, hvordan den dokumentariske fotopraksis kan aktiveres som et dybt personligt, kulturelt og politisk redskab. Kurateret af Luke Adekoya Campbell udfordrer udstillingen forestillingen om det dokumentariske foto som en objektiv og uforanderlig sandhed – og præsenterer i stedet mediet som flydende og subjektivt, formet af både en bevidst skabelsesstrategi og iagttagelsesøjeblikkets umiddelbarhed.

Fra klassisk fotoreportage til mere eksperimenterende tilgange afspejler værkerne den dokumentariske praksis’ foranderlige natur. De stiller væsentlige spørgsmål: Hvem fortæller historien? Hvordan fortælles den? Hvordan tolker vi det, vi ser? Og hvordan kan det dokumentariske foto både spejle og forme vores forståelse af verden?

De deltagende kunstnere i Documentarian 1 griber disse spørgsmål an fra vidt forskellige vinkler:

• Colin Aherne
  three circles around the sea
  En reflekterende rejse gennem Georgien sætter fokus på regionens politiske spændinger i kølvandet på ankomsten af russiske migranter fra det krigshærgede Ukraine.
• Lidewij Mulder
  The Great Pretender
  Et personligt studie i maskulinitet blandt unge mænd i New York City – set gennem Mulders kvindelige, hollandske blik og hendes egne skiftende forestillinger.
• Marta Dias
  Portugueses – Between Exile and Resilience: 1970 to 1975
  Portrætter og arkivmateriale væver individuelle erindringer sammen med den nationale historie om portugisiske borgere i eksil under diktaturets sidste år.
• Anna Mensing
  Blueberry
  Et samarbejdsprojekt, der skildrer Olivias abortoplevelse med hudløs ærlighed, omsorg og handlekraft – og samtidig udfordrer de gængse roller mellem fotograf og motiv.
• Gilberto Zamorano
  Berlin Döner
  En levende socialdokumentarisk fortælling om Berlins dönerkultur, der trækker tråde til tyrkisk migration og hylder dens kulturelle betydning i dagens Tyskland.
• Maria Fynsk Norup
  1 in 8
  En konceptuel og dybt personlig fortælling om sygdom og heling – formidlet gennem iscenesatte selvportrætter og symbolmættede detaljer.

Tilsammen danner disse projekter et mangfoldigt og nuanceret portræt af samtiden – intimt, politisk og visuelt engagerende.

Documentarian 1 markerer samtidig åbningen af Documentarian Project Space i Dark Gallery CPH – en ny platform for projekter med afsæt i virkelige forhold og båret af grundig, researchbaseret fortællekunst. Projektrummet, som også kurateres af Luke Adekoya Campbell, hylder dokumentargenren i dens mange former og understøtter et bredt spektrum af tilgange, udtryk og metoder, der afspejler kompleksiteten i nutidens historiefortælling.

Udstillingen er en del af Copenhagen Photo Festival

Åbningsperiode:

7.-22. juni, ons-fre 14.00-17.00, lør-søn 13.00-16.00

Man-tir lukket

NB! UDVIDET ÅBNING 21-22 juni, kl. 13:00-19:00

Fernisering: 7. juni kl. 16:00-19:00

Galleriet har også åbent efter aftale

Gratis adgang

 

 

PULSE BERLIN

En fotografisk rejse gennem Berlins natteliv og urbane landskaber – hvor 90’ernes klubkultur møder nutidens graffitimiljø.

PULSE BERLIN forener to fotografiske vinkler, der indfanger Berlins rastløse sjæl. Thomas Suchy dykker ned i byens legendariske klubkultur fra slut-90’erne og de tidlige 00’ere, mens Victor H. Andersen retter sit analoge kamera mod stationsmiljøer og graffitiovermalet infrastruktur. Fotoudstillingen indfanger byen i en konstant vandring mellem fortid og fremtid, stilhed og bevægelse, lyd og tavshed.

Victor H. Andersen
Victor H. Andersens analoge fotokunst tager pulsen på nutidens rastløse Berlin – en fotografisk vandring i spændingsfeltet mellem bevægelse og stilstand. En skildring af byens rå og flygtige rytme: fra U-bahn-stationer til graffitimalede viadukter.

Victor er draget af byens banelegemer og perroner, hvor han udforsker lys- og skyggespillet i stationernes stål, glas og beton. Hans motiver kredser også om passagererne, de rytmiske togafgange, og spændingsfeltet mellem det flygtige og det bestandige.

Hans billedserie bærer tydeligt præg af mørkekammerets analoge æstetik – den kornede struktur, blødheden, de små ufuldkommenheder.  Sanseligheder, der sætter fokus på hans kunstneriske valg og den fotografisk proces.

Thomas Suchy
I galleriets mørklagte lokaler inviterer Thomas Suchy de besøgende på en rejse tilbage i tiden. Hans digitale og analoge fotografier dokumenterer Berlins pulserende klubkultur, som han oplevede i slut-90’erne og begyndelsen af 00’erne, mens han boede i byen.

Berlins elektroniske musikscene blev i disse år et globalt fænomen, hvor musik, kunst og hedonisme smeltede sammen i den genforenede bys forladte bygninger. Klubber som Berghain, Watergate og Bar 25 var ikke blot tilholdssteder – de var frirum for en hel generation, der længdes efter frihed og en verden uden grænser.

Bag Berghains ikoniske mure smeltede kroppe sammen under de bærende stålbuer og de buldrende basgange. Watergates glasvægge spejlede Spree-floden og lod byens bevægelser glide ind på dansegulvet. Og i Bar 25 blev dag til nat, og nat til dag – med træhytter, bålpladser og cirkuslignende optrin, der forvandlede enhver fest til et surrealistisk univers.

Tiden forsvandt, maratonfester over dagevis pressede krop og sjæl til det yderste, og virkeligheden forsvandt i stroboskoplysets flimrende skær. Hedonismen var ikke en flugt – men en filosofi: en kollektiv søgen efter ekstase, autenticitet og forvandling midt i Berlins rå omgivelser. Under frihedens overflade lurede dog en skrøbelig balance – mellem idealisme og kommercialisering, mellem undergrundens ægthed og verdensberømmelsens magnetisme.

Udstillingen indfanger flygtige øjeblikke fra denne tid – sved, smil og intensitet – snapshots fra en kultur, hvor tiden var relativ, og hver solopgang varslede endnu en dans.

16. maj – 1. juni

Tir-fre 14:00-18:00 Lør-søn 11:00-17:00

NB! Søndag d. 1. juni lukker galleriet kl. 16:00

Fernisering 15. maj 16:00-19:00

Open Studio med Sara Bensaltana

Mellem den 28. november og den 11. maj afholdes Open Studio med kunstneren Sara Bensaltana.

Oplev, hvordan den fransk-spanske kunstner arbejder med fotografiske lag, indfarvning og delvis udviskning. Med disse teknikker skaber hun en form for fotomaleri, hvor der arbejdes med fotografisk kemi og stoflige materialer som sølv, gelatine, Polaroid-emulsion og reflekterende tekstiler.

Sara Bensaltana arbejder med den indre fortælling – en sart arkæologi over selvet, formet af brud og fornyelse.

De færdige værker vil blive udstillet i galleriet under Golden Days Festivalen i september.

 

Stars & Stripes

Foto- og filmudstilling, der retter blitzlyset mod de hastigt forandrende opfattelser af USA i en MAGA-tid. Fra kølig distance og underfundig ironi til hudløs satire.

Nationalflag er abstrakte symboler, ladet med både følelser og kulturel bagage – det gælder ikke mindst det amerikanske Stars & Stripes. Udstillingen Stars & Stripes, der præsenterer fotografi og film, undersøger, hvordan opfattelsen af USA forandrer sig i en tid præget af MAGA.

Hvad kunstnerne siger:

“Min ”Stars and Stripes”-fotoserie forholder sig kritisk til kvindehad, queer-politik og giftig maskulinitet og fremhæver, hvordan kvinders sundhed og queerstemmer bliver negligeret i amerikansk kultur.”
– Loui Moon (Danmark)

“Jeg er født i Mexico, og mit projekt undersøger den kølige distance, der opstår i det kulturelle spændingsfelt mellem Mexico og USA. Mine fotografier af Den Mexicanske Golf, taget i Celestún, og deres rolige hverdagsstemning står i skarp kontrast til den politiske tvist med USA omkring navnet på golfen.”

– Ivan Aguilar (Mexico)

“Min loop-video kombinerer nostalgiske amerikanske diner-scener med traditionel mexicansk musik og fremhæver kulturel kontrast, ironi og det komplekse, ofte adskilte forhold mellem de to identiteter.”
– Camila Garcia Dominguez (Mexico)

“Mit digitalfoto og serigrafiværk, der gør brug af keramiske Möbius-bånd, reflekterer over det politiske topartisystem i USA, som kan betragtes som to forskellige varianter af en højreorienteret ideologi. Desuden vil jeg sætte spørgsmålstegn ved, hvor meget denne ideologi også præger det danske folketing.”
Cidinha Bendixen (Brasilien)

De medvirkende kunstnere, der alle bor i Danmark, er for nylig blevet en del af galleriet som “rookie-partnere” – en platform, der hjælper fotografer med at udvikle deres kunstneriske praksis og stemme. Med i denne første rookie-gruppeudstilling deltager også galleriets grundlægger, Kim Wyon.

Der er fernisering 24 april kl. 16:00-19:00 med poesi og musik af Ulyd.

Billedet er anvendes i denne post er af Loui Moon

 

Beneath the Surface

Af George Doumani

“Beneath the Surface” inviterer beskueren til at se verden gennem en kameralinse, hvor forvrængning, uro og sårbarhed brydes. I denne serie benytter den australske kunstner George Doumani fotografiet terapeutisk til at bearbejde og udtrykke frygt, depression og angst.

Udstillingen omfatter hovedsageligt sort-hvide digitalfotos, hvor forvrængningseffekten opnås ved brug af teknikker inspireret af analoge fotografiske metoder, såsom lange lukkertider for at indfange bevægelse, fotografering gennem lysbrydende overflader som glas eller rindende vand, samt påføring af forskellige væsker på linsen for at sløre motivet.

“Beneath the Surface” opfordrer beskueren til at udforske både skønheden og uroen i de forvrængede perspektiver og indbyder til refleksion over den tilværelsens indre uro og sjælelige skrøbelighed.

Kunstneren opfører en lydperformance til ferniseringen samt på lørdag og søndag d. 6+7 marts kl. 12.00-15.00

Fra 5.-19. april 2025:

Lør-søn 12:00-15:00 (13. april 12:00-17:00), tor 10. april 15:00-17:00, tor 17. april 12:00-15:00.

For opdaterede åbningstider og evt. akut lukkedage, tjek Google. For events på galleriet, tjek Facebook og Instagram

Fernisering: Fredag 4. april kl. 17.00-20.00

Gratis adgang.

 

 

Ma.Ro x Dark Gallery CPH

Dark Gallery CPH præsenterer en fotoudstilling af Mathieu Rouaux, korpsdanser ved Den Kongelige Ballet. Udstillingen er en varm hyldest til ballettens mystik og magi. Den formidler både dansernes intense fordybelse samt scenekunstens eksplosive energi.

Kom med ind bag fortæppet på Den Kongelige Ballet, hvor Mathieus intime kameraøje giver et sjældent og personligt indblik i ballettens indre hjerte – fra scenegulvet magiske øjeblikke til det fascinerende liv bag kulisserne. Mathieus fotografier indfanger ikke kun selve balletforestillingerne, men også kompagniets unikke atmosfære og intense arbejdskoncentration.

I forlængelse af sin første soloudstilling i Tokyo i 2024, præsenterer Mathieu Rouaux med udstillingen Ma.Ro på Dark Gallery CPH en ny kurateret samling af overvejende analoge fotos. Fotografierne omfatter nogle af kunstnerens personlige favoritter og er taget over de seneste 3 år primært på Gamle Scene, Kongens Nytorv.

“Jeg besluttede jeg mig for at lære at bruge mit analoge Olympus-kamera i kulissernes mørke på Gamle Scene. Jeg øvede mig tålmodigt i at indfange mine kollegaers betagende bevægelser og unikke præstationer på Den Kongelige Ballet. Teatret blev min yndlingslegeplads – ikke kun hvad angår dansen, men også med at indfange øjeblikkets flygtighed med mit knipsende kamera. Det analoge fotografis kvaliteter resonerer dybt med balletdans – og fremhæver dansens magi samt iboende mystik.”

Det intime badeværelse på Dark Gallery CPH bliver til udstillingen forvandlet til en kunstinstallation – en kopi af Mathieu Rouaux’ omklædningsrum. Her kan gallerigæster opleve hans intime samling af ballettøj, kameraer, kostumer, sminke og personlige fotografier – både kunsttryk og mere spontane polaroidfotos.

Mathieu Rouaux er født i Frankrig og tog sin balletuddannelse på École de Danse de l’Opéra national de Paris. Han var tilknyttet Pariseroperaens Ballet, Tjekkiets Nationalballet og Hamborgballetten, inden han i 2020 blev en del af Den Kongelige Ballet. I 2024 modtog han et legat fra Neel Resling Halpern (NRH) Fonden. Han er desuden aktiv freelancefotograf ved Det Kongelige Teater.

Åbningstider: 19.-30. marts

• Tirsdag-fredag: kl. 14:00-17:00
• Lørdag: kl. 13:00-16:00
• Søndag kl. 13:00-17:00
• Mandag: Lukket

Mød kunstneren:

Søndag d. 23 og 30 marts fra kl. 13.00-17.00 vil besøgende på galleriet kunne møde Mathieu Rouaux. Der vil være mulighed for en samtale med kunstneren om hans arbejde både som fotograf og balletdanser.

 

 

Tidligere udstillinger:

Fra den 1. til den 15. marts 2025 præsenterer Dark Gallery CPH to udstillinger: Sinners af Dave Feral og Hidden Glances af Tobias Glud. Begge er de visual storytellers, og deres udstillinger sætter fokus på tilværelsens mørke sider.

Udstillingerne har åbent:

• Torsdag og fredag: 14.00-17.00

• Lørdag og søndag: 13.00-16.00

Gratis entré.

 

 

Sinners

Hvem er den ægte synder – personen på et forbryderfoto eller dig, betragteren?

Hvordan ser en kriminel egentlig ud? Og hvorfor opleves nogle mugshots som cool og sexede? Dette er de centrale spørgsmål, der stilles i udstillingen Sinners af AI-Creative Dave Feral.

Besøgende opfordres til at gætte, hvem der er de ægte forbrydere på en væg af mugshots. Nogle af billederne er endda skabt ved hjælp af kunstig intelligens (AI) og viser personer, der slet ikke eksisterer. De sande identiteter afsløres på din telefon ved hjælp af Augmented Reality (AR), når du scanner billederne.

På den modsatte væg af mugshots skal de besøgende tage stilling til, hvilke forbryderfotos er cool og sexede. Ved at scanne billederne med sin telefon, får man kendskab til deres forbrydelser. Ændrer man syn – eller er man stadig tiltrukket af disse mørke væsner?

Besøgende kan også skabe deres eget selfie-forbryderfoto og tage deltage i en konkurrence om en gratis AI-workshop med Dave Feral.

 

 

Hidden Glances

Fotoudstillingen Hidden Glances af Tobias Glud udfolder byens fortælling. Med sin enkle æstetik præget af rene linjer og stærke kontraster sætter fotografen spot på det tidløse og flygtige i hverdagens København. Denne tavse skyggedans sætter byens uudgrundelige poesi i billedmæssig relief og udfordrer sjælelivets mørke længsler.

Galleribesøgende går på opdagelse i udstillingens sort-hvide fotos med farvede neonlygter. Det flakkende neonlys skaber en dynamisk rumbelysning under konstant forandring.

“Byen ånder i skygger og lys, hvor ansigter opløses og tiden står stille. I denne stille dans mellem lys og mørke bliver vi vidner til øjeblikke, der både afslører og skjuler. Vi søger uden at vide hvorfor – en spejling af det, vi allerede rummer. Denne søgen, drevet af en indre længsel, fører os gennem gader og stræder, hvor hver refleksion i et vindue minder os om vores egne skjulte dybder. De usynlige blikke vækker urolige følelser, der får os til at tvivle på vores sande natur. Under disse usynlige blikke tilpasser vi os, former vores ydre for at imødekomme andres opfattelser, mens vores sande jeg langsomt træder i baggrunden, fanget mellem ønsket,” Tobias Glud.

 

Japanske åndehuse – Analog fotokunst i interaktiv, kemisk opløsning

Fotokunst i konstant kemisk forvandling – det er hvad der venter gallerigæster til fotoudstillingen ”The Silver That Kissed the Silver That Persists” af den unge fransk-spanske fotograf Sara Bensaltana

Nedsænket i kemiske bade og udsat for dryppende glaskolber opløses og krystalliserer kunstnerens analoge fotografier af asiatiske “åndehuse” under konstant forvandling. Ifølge folketro huser åndehuse lokale ånderne fra fortiden. Besøgende kan endda interagere med den kemiske proces og ændre billedernes visuelle udtryk blot ved at berøre de nedsænkede billeder.

Udstillingen omfatter desuden en serie analoge fotografier monteret på glas. Kemikalierne indlejret i printene er fortsat aktive, hvilket bevirker at de langsomt ændrer farve og former gennem hele udstillingsperioden.

Interaktivt mørkekammer

Gallerigæster introduceres til et klassisk fotografisk mørkekammer. Her har de mulighed for at interagere med selve den fotografiske fremkaldelsesproces, inden kunstnerens billeder af åndehuse fixeres i et stopbad. Ved at placere disse fotos i almindeligt kunstlys vil gallerigæster kunne opleve, hvordan lyspåvirkningen forandrer billedernes udtryk.

I mørkekammeret findes desuden en række historiske fotos af hverdagslivet i Japan, som kunstneren har fundet på loppemarkeder i Tokyo under et residency-ophold i 2024. Billederne bærer præg af naturlige sølvskader og afspejler dermed kunstnerens forsøg på at indfange ånderne, der er fotografisk indfanget i billederne.

Spirituelt lydunivers

Det meditative ved kunstnerens motivrække understreges af en unik lydinstallation særligt skabt til udstillingen af den danske lydkunstner Second Sun. Lyduniverset er ”randomiseret” og ligesom fotoserien under konstant kreativ forandring uden nogensinde at gentage sig selv.

Om kunstneren

Sara Bensaltana er uddannet kunstfotograf og deltager i 2025 i en art residency i Toulouse i samarbejde med nano-teknologiske forskere fra det nationale franske forskningscenter, CNSR. Fra 1. januar 2025 bliver kunstneren desuden partner i Dark Gallery CPH.

Sikkert miljø

Udstillingens kemi er ufarlig for gæster, og man behøver hverken gummihandsker eller åndedrætsmasker. Børn skal dog være under opsyn, og hunde er ikke tilladt under denne udstilling.

 

Udstillingsperiode: 4-22 december 2024 + 3-19 januar 2025.

Ons, tor, fre: 13.00-17.00

Lør, søn: 13.00-16.00

NB! Lukket 15-17 januar. Åbningstider 18-19 jan: 14.00-16.00

Finissage d. 23 jan kl. 16.00-19.30

Der er altid gratis adgang til Dark Gallery CPH

 

 

 

 

NYC Street Level – New Yorks gadeliv, legendariske natklubber og fashion-catwalks i 1980erne og 90erne

 

Fotoudstilling og multimedieinstallation

Rolando Diaz

8.-17. november 2024

 

Oplev New York gennem øjnene på den amerikansk-colombianske fotograf Rolando Diaz, der i 1980’erne og 90’erne indtog byens graffiti-malede gader, legendariske natklubber og hotte fashion-catwalks. Hans fotoserier indfanger The Big Apple i en tid, hvor hiphop- og undergrundskulturen blomstrede og klubscenen gik amok, men også en tid hvor AIDS-epidemien satte dybe ar i sjælen.

“NYC Street Level” er den mest omfattende retrospektive udstilling af Rolando Diaz’ fotos fra New York og giver et fascinerende indblik i de vilde og kreative 1980ere og 90ere. Udstillingen åbner samtidig med lanceringen af hans fotobog “NYC Street Level,” hvor en del af udstillingens fotoserier indgår.

New York i mørket

Udstillingen foregår delvist i galleriets Dark Spaces, hvor lyset er en performativ del af udstillingsoplevelsen.

I forbindelse med “NYC Street Level” kan de besøgende bl.a. gå på opdagelse i det flisebeklædt badeværelse. Her findes en fotoserie taget af Rolando Diaz i Manhattans legendariske natklubber, som Pyramid og Area, der netop var kendt for deres graffiti-taggede flisevægge.

I galleriets bagerste Dark Space vises en projiceret fotoserie, der sætter fokus på 1980erne og 90erne som en brydningstid, hvor bl.a. gadekunst, kampen mod gentificering, og AIDS-epidemien satte dagsordenen. Sidende på badeværelsets toilettet kan man som besøgende lytte til et lystæppe med historier fra New Yorks legendariske natklubber – mens man selv graffiti-tagger væggene.

I galleriets lokale mod gaden, hvor der er både dagslys og spotlamper, viser Rolando Diaz en fotoserie, der både omfatter hans professionelle modefotos og giver indblik i hans privatliv og indtryk fra byens hektiske gadeliv.

Om fotografen

Rolando Diaz studerede audiovisuel kommunikation i Rom i Italien, inden han som 23-årige slog sig ned i New York i 1983. Udover at være fotograf for det italienske modeindustrimagasin Fashion i New York, har Rolando også beskæftiget sig med fotoprint ved Chroma Copy of America. Rolando blev dansk gift og slog sig for alvor ned i København i 1996, hvor han åbnede DIAZ STUDIO.

Foruden redaktionel fotoarbejde omfatter Ronaldo Diaz’ virke som fotograf også portrætkunst, gadefotografi og fotografi til musikere. Hans fotografiske værker blev i 1990’erne udstillet på gallerier i New York, London, Madrid og mange andre internationale byer. I København har han deltaget i fællesudstillingen ”Fem Nutidige Fotografer fra Colombia” i Rundetaarn (1998).

 

Udstillingsperiode:

8-17. november 2024

Torsdag og fredag kl. 13.00-17.00

Lørdag og søndag kl. 13.00-16.00

Der er fernisering torsdag d. 7. november kl. 16.30-19.00

Der er altid gratis entre på Dark Gallery CPH.

 

 

 

 

 

 

Songs for the River // Canciones para el río

”Songs for the River // Canciones para el río” af kunstfotograf Kristina Aurora er en lyrisk-meditativ hyldest til Atrato-floden i Colombia, der er hærget af ulovlig guldminedrift og kviksølvforurening. 85% af landets guld udvindes illegalt, hvilket gør Colombia til et af de lande i verden, der er hårdest ramt af kviksølvforurening. Denne krise påvirker ikke blot lokalsamfundet men også de globale økosystemer, idet kviksølv spredes gennem nedbør til verdenshavene.

Kristina Aurora rejse til Colombia med sit analoge Hasselblad-kamera i 2023. Hendes udstillingen på Dark Gallery CPH søger at tilbyde de besøgende et refleksionsrum, hvor de inviteres til at dvæle, lytte og mærke tyngden af det fælles miljøansvar.

På galleriet vises kunstnerens naturfotografi i lokalet mod Ryesgade. I galleriets Dark Spaces byder på en mineagtig stemning, som de besøgende oplever i lyset fra en udleveret pandelampe. I dette mørke reflektionsrum udstilles en kollageserie af analoge fotos, hvor kemiske processer og metaller er med til at styrke indtrykket af skønhed midt i naturødelæggelsen. Metallet gallium anvendes eksempelvis på enkelte billeder, så det ligner størknet kviksølv.

I Dark Spaces kan gallerigæster desuden opleve en lydinstallation bestående af indsamlet lydmateriale fra Colombia bearbejdet med uddrag af forskellige afro-colombianske sjælesange, kaldet ”alabaos”. Disse melankolske rituelle sange uden musikledsagelse synges traditionelt som udtryk for sjælesorg og for at ledsage den afdøde til paradis. I dette rum inviterer kunstneren de besøgende til at dvæle ved miljøkrisen – til at indleve sig i flodens blide, sanselige men også foruroligende stemme. Gennem denne lyrisk-meditative oplevelse søger hun at fremme en erkendelse af medansvar for den skrøbelige balance mellem menneskets umættelige begær og naturens kraft. 

”Midt i denne miljøkrise med meget store menneskelige omkostninger, søger jeg rent kunstnerisk at dyrke den uskyld og skønhed, som floden og dens naturrigdomme oprindeligt repræsenterede. Jeg mener at vi, der ikke bor i Colombia, har brug for en følelsesmæssig indlevelse med plads til refleksion for at kunne vække en forståelse af, at miljøkrisen vedrører os alle og kræver handling, også i Danmark. Nyhedsstrømmen og mange fotodokumentariske projekter om verdenskriser har det ofte med at bombardere vores sanser, hvilket nærmest gør os magtesløse. Derfor er det den lyrisk-meditative indlevelse jeg søger med min fotoserie fra Colombia – i håb om, at det kan styrke vores forståelse af medansvar,” siger Kristina Aurora.

Udstillingsperiode:

3-26. oktober 2024

Torsdag + fredag + lørdag kl. 12.00-16.00

Enkelte torsdage vil der være længere åbent i forbindelse med kulturarrangementer. Der vil være nærmere information løbende på galleriets sociale medier.

Gratis entre

Der er fernisering torsdag d. 3. oktober kl. 16.30-19.00

 

Mød kunstneren

Som gallerigæst kan man møde Kristina Aurora på følgende dage:

3., 4., 11, 12, 18. og 19. oktober i åbningstiden.

 

Limited-edition mørkekammerprint af de analoge farvefotos og kollager kan købes direkte fra kunstneren.

 

 

 

 

Rebeller i arbejdstøjet

Dark Gallery CPH sætter spot på arbejdslivet i 3 udstillinger i forbindelse med festivalen Golden Days på arbejde.

Udstillingerne på galleriet har åbent 6.-21. september 2024 mellem kl. 12.00 og 16.00 alle ugens dage.

Under fællestitlen Rebeller i arbejdstøjet vises 2 interaktive installationer i galleriets Dark Spaces – begge styret af kunstig intelligens.

I dagslyset i galleriet forlokale vises fællesudstillingen Ting tager tid, hvor 9 internationale kunstnere sætter tidsoplevelsen under lup i deres analoge fotokunst.

Læs mere om udstillingerne her:

 

Dark Spaces:

 

The life and death of John Doe

Multimedieinstallationen The Life and Death of John Doe, skabt af den tyske kunstner Dave Feral, sætter spot på karrieredyret. På snurrende kassettebåndoptagere følger man den fiktive arbejdshelts rejse fra konformitet til gryende selverkendelse og oprør. Fortællingen og udstillingens billedverden er genereret af kunstig intelligens.

Publikum bevæger sig rundt i udstillingsrummet i lyset fra en pandelampe, og deres personlige refleksion over deres arbejdsliv indgår i en samlet ”Happiness Map,” enten ved interview i galleriet eller ved at udfylde onlinespørgeskemaet her.

Efter udstillingen vil den samlede Happiness Map og hele udstillingen kunne opleves online.

 

The Rebel Fridge

Galleriets nyeste udstillingsrum for mikroprojekter er et tændt køleskab i galleriets bælgmørke badeværelse. I en installation af kunstnerne Kim Wyon og Alibadi opfordres de besøgende til bytte rundt på dåser med navne på offentlige personer, der ifølge kunstig intelligens er de bedste eksempler på tidens rebeller.

Hver dag bliver de 30 dåsers bevægelse i køleskab registreret i en logbog i køleskabets fryser, så man i udstillingens forløb kan få indblik i, hvem publikum oplever som ægte rebeller – og hvem, der blot er kulturindustriens levebrødsoprørere.

Publikum opfordres også til at foreslå navne på ægte rebeller. Deres bidrag indgår i næste udgave af The Rebel Fridge.

Læs mere om køleskabet på vores webside om galleriets mikroprojekter.

 

Forlokalet:

 

Ting tager tid

Fællesudstillingen Ting tager tid med bidrag af analog fotokunst fra 9 medvirkende kunstnere sætter fokus på de subjektive måder at opfatte tiden på, som er fri for arbejdslivets lineære tidstyranni.

Værkerne undersøger det processuelle ved tilværelsen. Nogle billeder kredser om fraværet som sindstilstand, andre om livets cykliske natur, og atter andre finder styrke i nuets nærvær.

Fællesudstillingen er resultatet af en open call med fokus på analog fotokunst og er kurateret af kunstneren Maria Heines (USA) @maria.heines

 

De medvirkende kunstnere:

Antoni Hidalgo (Spanien) @inercies_

Avishek Das and Debadipta Basak (Indien) @and_analogphotography

Luke Harby (UK) @lukeharby

Maria Bonet (Belarus) @maria_elena_bonet

Melanie Larson (Danmark) @mela_kunst

Nadja Brečević (Sverige) @nadjabrecevic

Nancy Munford (US) @theunsteadyproject

Raquel Ferreirinha (Portugal) @stillstoriesbyraquel

Ruta Krasauskaite (Litauen) @rutakras

 

 

Blinde Dates

12.-16. juni 2024

I et improviseret fotostudie blev to personer, der ikke kendte hinanden, sat stævne. Deres opgave var at male hinanden i striber i modsatte hudfarver. En happening, der skulle skabe en ligevægtig ramme og et fælles socialt rum.

Projektet tog en uventet drejning, da billedkunstneren Mahmoud Alibadi kom ud for en alvorlig ulykke inden fotoseancen, som han derfor måtte medinstruere via videosamtale. Modellen A.K. havde desuden synlige blå mærker som følge af en akutindlæggelse ugen før. Hændelser, der satte projektet i perspektiv. Hvordan påvirkede disse livstruende oplevelser mødet mellem de to fremme samt kunstnerne bag?

Filmskaber Ryder Pomerleau kørte hele vejen fra England i bil for at indfange de akavede og famlende følelser i ”Blinde Dates”. Hans fotoseance-dokumentar er udstillingens egentlige kerne.

Fotoudstillingens kontaktkopier lavet i mørkekammeret viser fotos taget med et analogt Hasselblad 500 kamera af fotograf Kim Wyon. Kontaktkopierne udstilles i galleriets Dark Spaces og skal ses gennem diodelup. Billedernes rå æstetik underbygger fotoprojektets temaer om menneskelig sårbarhed og umiddelbarhed.

Man kan møde kunstnere bag denne ”Blind Dates” happening alle dage under udstillingen. Til ferniseringen opfordres besøgende til selv at medbringe en date – eller måske møde en hel tilfældig fremmede på galleriet!

 

Fotograf: Kim Wyon

Billedkunstner: Mahmoud Alibadi

Filminstruktør: Ryder Pomerleau

Modeller: A.K. og Jerry Nortey

 

Fernisering:

Onsdag 12. juni kl. 16:00-19:00

Medbring en blind date – eller find en!

 

Øvrige åbningstider:

Onsdag 12. juni – fredag 15. juni: kl. 11:00 – 16:30

Lørdag 16. juni: kl. 11:00 – 16:30

 

Udstillingen sker i partnerskab med Copenhagen Photo Festival

 

 

 

Heterotopia – Portrætter af de levende sjæle på Assistens Kirkegård

Fotoudstilling af George Doumani

4. maj – 1. juni 2024

 

Hvad bruger du Assistens Kirkegård til? Går du tur med din date? Chiller du efter en koncert? Eller står den på weekendpicnic i græsset med familien? Med sit storformat-kamera indfanger George Doumani livet og døden på Assistens Kirkegård med stor detaljerigdom og besjælet dybde.

Den australske fotograf George Doumani har tilbragt mange dage og aftener de seneste 2 år på Assistens Kirkegård på Nørrebro med sit analoge storformatkamera. Resultatet er blevet en stemningsmættet portrætserie med fokus på kirkegårdens levende sjæle.

 

Den langsomme proces

Storformatkameraerne oplever fortiden en renæssance. Kameraerne benytter store analoge negativer og kendetegnes bl.a. ved deres foldbare bælg til at fokusere lyset. Fordelen ved disse kameraer er billedernes store detaljerigdom, den præcis fokuskontrol og de lange eksponeringstider, så kameraet kan benyttes selv under dunkle forhold. Kameraernes popularitet vidner om en genvunden interesse både for høj billedkvalitet og teknikkens helt særlige kunstneriske kvaliteter.

“Jeg valgte storformatkamera på grund af den omstændige proces i brugen af kameraet, som skaber en unik dynamik med emnerne og motiverne i mine billeder. Det store kamerastativ og sorte klæde vækker desuden nysgerrighed og dialog. Men det er tidskrævende at blive fotograferet med storformatkamera. Det kræver at man forbliver helt stille under de lange eksponeringstider,” fortæller George Doumani.

 

Hvor tiden står stille

Udstillingstitlen “Heterotopia” henviser til den franske filosof Michel Foucaults begreb om et rum eller en lukket verden uden for samfundet normer, hvor der gælder helt andre regler. Assistens Kirkegård er netop et sådant ”Heterotopia”. Et sted, der hvor livet og døden sættes i spil på måder, vi ellers ikke kender til i Danmark.

George Doumanis portrætserie sætter netop fokus på de mange forskellige måder folk bruger kirkegården på. Det gælder eksempelvis par, der chiller efter en koncert, hundeluftere på aftentur – og folk på deres første date.

“Jeg synes, det er fascinerende, hvordan folk benytter Assistens Kirkegård,” forklarer Doumani. “Det er et fristed, men også et sted, hvor vi konfronteres med døden, som vi jo inderst inde alle frygter. Det er et paradoks: Folk opsøger livet og nærheden indenfor de selvsamme mure, der omslutter døden.”

”Den helt særlige stemning i George Doumanis fotos skyldes ikke mindst den tidskrævende teknik han benytter, som giver billederne en fornemmelse af at være meget gamle, selvom personerne tydeligvis er fra nutidens Nørrebro. Portrætseriens levende sjæle bliver virker på denne måde udødeliggjort, lidt som gravstenene på kirkegården også på sin vis udødeliggør de døde. Billederne er både lidt uhyggelige – men samtidig mesterligt smukke, tidløse og dvælende, siger Kim Wyon fra Dark Gallery CPH.

 

Mød kunstneren

På udvalgte dage kan man møde kunstneren og opleve hans storformatkamera og de store negativer fra udstillingens billeder. Man kan også få en snak om hans fotoprojekt – og ikke mindst om livet på Assistens Kirkegård.

Mange lokale på Nørrebro kender allerede George Doumani, der i en del år var medejer af 3 modebutikker på Elmegade kaldet Goggle. Han har boet i Danmark i 22 år og har også arbejdet med film og musik – blandt andet som arrangør af undergrundsraves.

Kunstneren er tilstede ved udstillingen d. 11., 17., 18., og 25. maj.

 

Åbningstider mellem 4. maj og 1. juni:

Torsdag og fredag 12.00-16.00

Lørdag: 12.00-15.00

Tjek altid Google for opdaterede åbningstider

Der er fernisering torsdag d. 3. maj fra kl 17.00

 

Portrætserien i “Heterotopia” har ikke tidligere været udstillet. Alle udstillede billeder er inkjetprint. Kontakt George Doumani direkte for yderligere information om salg af limited-edition print: elmegade3@gmail.com.

—

Med “Heterotopia,” vender Dark Gallery CPH tilbage til Assistens Kirkegård for tredje gang i en fotografisk undersøgelse af stedets underfulde stemning.

 

 

 

Family Photos 

Maria Heines

5.-27. april 2024

 

Family Photos af Maria Heines dykker ned i fortidens uforløste familiehistorier for at finde svar på nutidens familiedynamik

Family Photos dokumenterer kunstneren Maria Heines besøg hos sin familie i USA. Med sin afdøde bedstefars analoge kamera dykker hun ned i familiehistorier i en fotografisk undersøgelse af, hvordan fortidens konstellationer af misbrug, omsorgssvigt og kærlighed materialiserer sig i nutidens familiedynamik.

Kunstneren fordyber sig i familiehistorien uden forbehold. Hendes billedverden balancerer visuelt mellem tomhed, kaos, barrierer, dvælen og gentagelse i en vekselvirkning mellem splittelse og forbundenhed.

”Dette ‘Familiefotos’-projekt føltes både nødvendigt og overvældende. Jeg blev forbundet med min fortid og familienostalgien… men det åbnede også op for historier, der tog hårdt på både mig og folkene omkring mig. Nogle gange kan familie og alle disse mennesker, som vi elsker, og som er så meget en del af os… være vanskelige. At elske dem kan være svært. Jeg håber, at besøgende på udstillingen bruger lidt tid på at studere billederne. Måske hjælper det også dem med at rumme både det gode, dårlige og hele usikkerheden ved deres egne familiehistorier,” siger kunstneren Maria Heines”

Kunstneren vil selv være tilstede på udvalgte dage, hvor hun reviderer og omarbejder ophængningen. Her vil besøgende kunne høre nærmere om hendes arbejdsprocesser og fotoarbejde.

Alle udstillede fotos er analoge mørkekammer-print og har ikke tidligere været udstillet.

Om kunstneren

Maria Heines er en amerikansk kunstner og forsker bosat i København. I sit fotografiske virke er hun særligt optaget af de finesser og detaljer, der formidler livets blødere, mere følsomme aspekter. Sideløbende fokuserer hun gennem sin samskabende kunstneriske forskning på at understøtte sundere og lykkeligere livsformer.

Læs mere om hendes arbejde her: www.mariaheines.com

Udstillingsperiode:

Family Photos udstilles i Dark Gallery CPH på Østerbro i København fra 5.-27. april 2024.

Udstillingens åbningsdage: 5., 6., 11., 12., 13., 18., 19., 20., 25., 26., 27. april

Dage hvor kunstneren er tilstede: 5., 12., 20. og 27. april

Tjek altid vores Google Listing eller Facebook event for opdateret info om galleriets åbningstider.

Der er altid gratis entre på Dark Gallery CPH.

 

Korean Babel

En fotoudstilling og interaktivt Ai-laboratorium, hvor besøgende oversætter koreansk gadeskiltning med mobilapps – og går på opdagelse i både poesien og det autonome vanvid i kunstig intelligens.

Udstillingen har åbent 1. februar – 24. marts 2024.

Hvad sker der, når man benytter en mobilapp til at oversætte koreanske gadeskilte? Fotograf Kim Wyon tilbragte en uge med at udforskede gadeskilte i trykkerikvarteret i Seoul samt på markedspladserne i Busan i september 2023. Med sig havde han sit klassiske analoge Hasselblad-kamera, en bunke Kodak-filmruller og sin mobil.

”Hvis du har prøvet at oversætte asiatiske gadeskilte med din mobil, så har du sikkert spekuleret på, om resultaterne måske er det rene galskab – og det er de faktisk ofte. Men galskabet er også ofte meget poetisk. Denne udstillings sort-hvide fotokollager af koreanske gademiljøer er derfor også en slags dynamiske foto-digte skabt i dialog med kunstig intelligens,” forklarer fotograf Kim Wyon.

Ai-laboratoriet

Som del af udstillingen er galleriets Dark Spaces indrettet som interaktivt Ai-laboratorium, hvor de besøgende benytter mobilapps på deres telefon til at undersøge, hvordan visuel interferens i fotografierne påvirker den Ai-genererede oversættelse. Ai-laboratoriet formidler desuden hvordan kunstig intelligens bearbejder information, og hvorfor den kan tage fejl i sin fortolkning af både skilte og omgivelser. Før de besøgende går ind i Dark Spaces, får de udleveret en pandelampe, hvilket vil være deres eneste lyskilde udover mobilen. Det interaktive Ai-laboratorie er udviklet af Ai-arkitekt Jon Hindsgaul Hansen i samarbejde med fotograf Kim Wyon. Grafisk design er af Raffaele Cavaiolo.

”Hvorfor hallucinerer ChatGPT og genererer tilfældige og ofte gale og poetiske oversættelser? Og hvordan genkender kunstig intelligens koreansk tekst blandt slagskygger og anden visuel interferens? Dette er nogle af fænomenerne man kan blive klogere på i galleriets interaktive Ai-laboratorium,” siger Jon Hindsgaul Hansen.

Udstillingen har åbent 1. februar – 24. marts 2024.

Se aktuelle åbningstider på vores Facebook event post samt på Google.

Udstillingen har også åbent efter aftale.

 

Fernisering: lørdag d. 3. februar kl. 13:00-16:00

 

Foto-digtene af Kim Wyon aflæses ved hjælp af oversætterapps på din mobil.

 

 

Tidligere udstillinger

SUPERPOWER

Ghosts of the Atomic Age

Udstillingsperiode: 29 september – 25 november 2023.

Kan vores superkomplekse teknologi styres? En fotodokumentarisk udstilling af Europas udtjente atomkraftværker af den ukrainske fotograf Oleksandr Martemianov.

Med en uddannelse som både fotograf og ingeniør har Oleksandr Martemianov rejst Europa rundt over de seneste 4 år og fotograferet fortidens udtjente atomkraftværker. Med sit analoge storformat-kamera har han registreret 23 europæiske atomkraftværker. Selv er han opvokset i omegnen af Tjernobyl i Ukraine og flyttede senere ganske tæt på Barsebäck-værket. I en tid, hvor der planlægges nye atomkraftværker i Europa og debatteres fordele og ulemper ved nye superkomplekse teknologier som kunstig intelligens, stiller den 33-årige fotograf det åbne spørgsmål: Magter vi som samfund at håndtere den komplekse teknologi, vi selv skaber?

SUPERPOWER-udstillingen omfatter billedmateriale fra atomkraftværkerne, og besøgende vil bl.a. kunne gå på opdagelse i sovjetrussiske militære landkort over Europas atomkraftværker – i det flakkende flashlys fra deres egen mobiltelefon. På udvalgte dage vil man kunne møde Oleksandr Martemianov i udstillingens åbningstider, og søndag d. 5. nov. kl 15.00 vil der være en offentlig talk med fotografen i dialog med fysiker Jon Hindsgaul Hansen.

Om udstillingen

SUPERPOWER-udstillingen er første gang Oleksandr Martemianov viser sit fotodokumentariske projekt, der omfatter besøg på 23 udtjente atomkraftværker i Europa, hvoraf mange er lukket for pressen og offentligheden. I visse tilfælde måtte Oleksandr Martemianov med vilje pege sit kamera i den modsatte retning af kraftværkerne for ikke at vække lokal opsigt eller blive beskyldt for spionage.

Som led i sit fotodokumentariske projekt har Oleksandr Martemianov søgt information om atomkraftværkerne bl.a. ved at studere og nærlæse den offentlige debat omkring værkernes tilblivelse og drift samt ved at møde nogle af de overraskende få mennesker, hvis opgave det er at vogte Europas udtjente atomkraftværker. Hans udgangspunkt har været at bevare et åbent sind med hensyn til fordele og ulemper ved atomkraft – og samtidig sætte fokus på de samfundsmæssige udfordringer, som komplekse teknologier som atomkraft stiller.

SUPERPOWER-udstillingen er fotografens første soloudstilling og vises i alle 3 gallerirum på Dark Gallery CPH på Østerbro i København. To af galleriets udstillingslokaler er såkaldte Dark Spaces, hvor lyset er performativt og dermed en del af de udstillinger, der vises. I forbindelse med SUPERPOWER-udstillingen vil besøgende i galleriets bagerste Dark Spaces bl.a. kunne gå på opdagelse i sovjetrussiske landkort over Europas atomkraftværker – i det flakkende flashlys fra deres egen mobiltelefon. I dette lokale sætter udstillingen fokus på forbindelsen mellem den civile og militære brug af atomkraft i både Vest- og Østeuropa. Eksemplerne i udstillingen er Krümmel-atomkraftværket i Slesvig-Holstein, hvor der var en stigning i tilfælde af leukemi i området, før værket blev lukket i 2011, og Zaporizhzhia-atomkraftværet i Ukraine, som på det seneste har været under angreb fra russiske besættelsesstyrker.

Atomkraftværker som Oleksandr Martemianov har besøgt og fotoregistreret:

1. Brokdorf (KBR). Schleswig-Holstein, Tyskland
2. Ågesta (R3/Adam). Stockholm, Sverige
3. Krümmel (KKK). Schleswig-Holstein, Tyskland
4. Stade (KKS). Niedersachsen, Tyskland
5. Unterweser (KKU). Niedersachsen, Tyskland
6. Barsebäck. Skåne, Sverige
7. Brunsbüttel (KKB). Schleswig-Holstein, Tyskland
8. Oskarshamn. Kalmar, Sverige
9. Greifswald (KKW). Mecklenburg-Vorpommern, Tyskland
10. Philippsburg (KKP). Baden-Württemberg, Tyskland
11. Obrigheim (KWO). Baden-Württemberg, Tyskland
12. Mühleberg (KKM). Bern, Schweiz
13. Lucens (VAKL). Vaud, Schweiz
14. Fessenheim. Grand Est, Frankrig
15. Superphénix (SPX). Auvergne-Rhône-Alpes, Frankrig
16. Phénix. Occitania, Frankrig
17. Biblis (KWB). Hessen, Tyskland
18. Würgassen (KWW). Nordrhein-Westfalen, Tyskland
19. Kahl (VAK). Bayern, Tyskland
20. THTR-300. Nordrhein-Westfalen, Tyskland
21. Mülheim-Kärlich (KMK). Rheinland-Pfalz, Tyskland
22. Grohnde (KWG). Niedersachsen, Germany
23. Helmholtz-Zentrum Hereon, Schleswig-Holstein, Tyskland

 

Om fotografen

Oleksandr Martemianov voksede op 200 km fra Tjernobyl-atomkraftværket i Ukraine. Han blev født i 1990, 4 år efter den katastrofale reaktornedsmeltning på værket, der skabte omfattende stråleforurening. I 2016 flyttede Oleksandr med sin familie til Sverige og bosatte sig kun 15 km fra det nu nedlagte Barsebäck-atomkraftværk. Oleksandr Martemianov er uddannet både som fotograf og mekanisk ingeniør.

Bio

Oleksandr Martemianov. Født 1990, Novohrad-Volynskyi (i dag Zviahel), Ukraine.

www.martemianov.com

Citat

Oleksandr Martemianov udtaler om SUPERPOWER-udstillingen:

“Ved mit første besøg på Barsebäck-værket bragede to kampfly hen over himlen, da jeg nærmede mig – som om de advarede mig. De fløj så tæt, at jeg kunne næsten se piloterne i aktion. Selvom jeg vidste, at dette var en tilfældighed, kom denne oplevelse til at indvarsle, hvor svært det ofte er at engagere sig med nutidens vogterne af nedlagte atomkraftværker – og få dem i tale. Meget af min nysgerrighed omkring atomkraft har ganske enkelt været drevet af en trang til at lære mere. Selvom jeg voksede op tæt på Tjernobyl i en tid, hvor atomkraft i stigende grad blev set som en trussel, har jeg forsøgt at forholde mig åbent til både fordele og ulemper ved teknologien. Som ingeniør er jeg måske mindre bange for teknologi generelt. Faktisk er det mest foruroligende ved atomkraft det politiske spil og de politiske interesser, der omgærder atomkraftindustrien. Man må spørge sig selv, om vi som samfund magter at håndtere så komplekse teknologier.”

 

Åbningstider:

Torsdag-fredag kl. 12.00-17.30

Lørdag kl. 11.00-15.30

Mød kunstneren: 20. + 21. oktober i åbningstiden.

Talk: 5. nov. kl 15.00-17.30

 

WASTELAND

Fotoudstillingen Wasteland hylder grænselandet mellem by og land og forfølger det postindustrielle tilbagetog – og naturens hævn. Hvornår er vi på landet – og hvornår er vi i byen? Udstillingen Wasteland har sluppet 5 fotografer løs. Alle er gået på motivhugst i det nyttesløse, forspildte og guddommeligt forladte.

Åbningsdage: 2-11. september 2023 kl. 12.00-16.00

Fernisering: 2. september kl 12.00

Wasteland er en del af Golden Days Festival – Golden Day på Landet @golden-days

 

Medvirkende fotografer:

Kristina Aurora Simonsen

@kristina.aurora.photography

Maria Heines

Carl Magnus Lindström

@carlmagnuslinstrom

Jón Bjarni Hjartarson

@jon_bjarni

Kim Wyon

@dark_gallery_cph

Udstillingen omfatter også diasfilm-projektion i galleriets Dark Spaces af @andreas_olesen

 

1. juni – 19. august 2023

SKIN

Intimitet i en fremmedgjort tid

SKIN-udstillingen på Dark Gallery CPH kombinerer analog printfotografi og diasprojektioner skabt af 2 fotokunstnere samt et aktivistisk feministisk kollektiv. De udstillende har sat fotografisk fokus på intimitet som begreb i en fremmedgjort verden.

 

Erika Matsunami

Den Berlin-baserede japanske foto- og videokunstner Erika Matsunami inviterer os ind i en fotografisk verden af næroptagelser af kroppen, der frit underlægger sig beskuerens ontologiske forforståelse. Inspireret af efterkrigstidens fænomenologi sætter Erika Matsunamis intime og sanselige motiver af hud- og kropsdele vores tvivl og fortolkningskraft i spil. De uudgrundelige motiver formidles som mikrolinse-inspirerede diasprojektioner i galleriets Dark Space 1, som er et fuldt funktionelt badeværelse. I galleriets gadevendte lokale udstiller kunstneren desuden 3 sort-hvide sølvgelatinetryk og 4 farvede C-tryk. Alle Erika Matsunamis bidrag er en del af hendes fotografiske forskningsprojekt B.O.D.Y. the second skin. Konteksten med hendes kunstneriske virke formidles via et braille-digt, dialogpostkort og en QR-kode til hendes hjemmeside. Erika Matsunamis fotos udstilles på Dark Gallery CPH indtil september 2023.

 

Læs mere om Erika Matsunami her.

 

Andreas Olesen

Den dansk-amerikanske fotokunstner Andreas Olesen har skabt en mekanisk projektionsinstallation med et komplekst drev til værkets diapositive filmloop. Prototypen, der er fremstillet ved hjælp af 3D-printede spoler, en modificeret diasprojektor og kuglelejer fra skateboards, viser de besøgende en filmstrimmel med private fotos af flere generationer af kunstnerens egen familie i tilfældig rækkefølge. Billederne, der er både personlige og anonyme, private og almene samt historiske og nutidige, repræsenterer tre generationer af to slægter i hans familie samt kunstnerens egne fotoarkiver – heriblandt fotos af hans pistolskydende (danske) bedstemor og tjald-rugende ungdom samt arkivfotos fra kolonitidens Grønland. Som en slags mekanisk Instagram materialiserer projektorinstallationen den digitale tidsalders selveksponering. Imidlertid står installationens ufiltrerede billedunivers med sin befriende umiddelbarhed og frigjorte intimitet i skarp kontrast til de sociale mediers fremmedgørende forstillelse. Til kunstnerens overraskelse spejlvendes filmstrimlen for hver rotation. Der mangler fortsat en matematisk modelbeskrivelse af dette forhold. Teknisk assistance: Sean Mitchell og Luke Boshoff. Andreas Olesens prototype udstilles i Dark Space 2 på Dark Gallery CPH frem til oktober 2023.

 

Læs mere om Andreas Olesen here.

 

The Missing Alliance

En pop-up-udstilling af den feministiske aktivistgruppe the Missing Alliance tilbyder et smugkig på deres fællesudstilling, der vises på Dark Gallery CPH i oktober 2023. The Missing Alliance har sat sig for at udforske, hvordan kvindekroppen fremmedgøres i det offentlige rum og fastlåses som intimsfære frem for at være en normaliseret del af samfunds udeliv. Aktivisterne stiller skarpt på frihedsspørgsmål om, hvorfor kvinder ikke har samme frihed som mænd til at gå med bar overkrop i det offentlige rum, om hvorfor kvinder forventes at barbere deres kropshår og gå med makeup, og hvorfor kvinders menstruationsblod er tabubelagt. I forsøget på at omgå det seksualiserede mandlige blik, engagerer aktivisterne sig i gade-happenings og feministisk aktivisme i det offentlige rum, hvilket dokumenteres i pop-up-udstillingen i form af 4 kalejdoskopiske sort-hvide fotocollager.

 

Kollage af The Missing Alliance

 

 

Fotografs personlige dagbog transformeres til aktivisme

 

Denne nye publikation og udstilling på Dark Gallery CPH BECAUSE A MOTHER NEVER STOPS BLEEDING er fotograf Carolina Echeverri’s forsøg på at belyse manglen på forskning og viden om de usynlige omkostninger, der er uløseligt forbundet til moderskabet. Ved at sammenflette sit eget fotografiske sprog med billeder af kvinders hjerner samt vidnesbyrd fra andre mødre, skaber hun et hjerteskærende opgør med de strukturelle systemer, der dagligt svigter forældre verden over.

 

 

”Projektet opstod som en personlig erkendelse af de biologiske og psykologiske ændringer, der følger med moderskabet. Og her taler jeg ikke om mindre tid til at fotografere eller problemer med work-life-balance. Jeg oplevede, at mit sanseapparat pludselig var som på steroider, og at frygt og mørke overtog mit sind og mit syn – det sås tydeligt i mine fotografier,” fortæller Carolina Echeverri. ”Jeg søgte efter forskning, der kunne underbygge den oplevelse, men den var der ikke. Hvorfor ser den moderlige hjerne ud som den gør? Hvad har det af konsekvenser?” spørger hun.

 

Gennem publikationen og udstillingen konfronteres man med en samling billeder, der dokumenterer Carolinas eget moderskab, videnskabelige hjernebilleder fra MRI-scanninger, tværsnit og histologiske billeder. BECAUSE A MOTHER NEVER STOPS BLEEDING er således Carolina Echeverri’s undersøgelse af de biologiske og psykologiske ændringer, der er tilknyttet moderskabet.

 

”Det er ikke en videnskabelig publikation eller en videnskabelig udstilling,” understreger Carolina, ”det er en personlig beretning over det kontroltab og den omvæltning, som moderskabet er, og som kan ses helt ind i hjernen. Vi snakker bare ikke nok om det. Selvom moderskabet er en rejse, der opleves af mange, forstås den af ufatteligt få. “Det ønsker jeg at sætte i perspektiv med denne udstilling og udgivelse” afslutter hun.

 

Fernisering: 4. maj 15.00-17.00

 

Udstillingsperiode: 6.-27. maj 2023

 

Åbningsdage:

 

Tirdsag og onsdage 14.00-17.00

 

Torsdage og fredage 14.00-18.00 (lukket 18.-19. maj)

 

Lørdage 11.00-15.00 (lukket 20. maj)

 

Galleriet har også åbent efter aftale.

 

Læs mere om kunstner Carolina Echeverri her: www.carolinaecheverri.com

 

For yderligere information om udgivelsen kontakt:

 

Viktoria Skovhus – T: +4540768492 – vskovhus@gmail.com

 

 

 

 

I have a crown, I am a queen

 

Hvad gør dig til en hverdagsdronning? Vi efterlyste medfortolkende kvindelige modeller på sociale medier. Seks kvinder henvendte sig til galleriet for at dele deres liv, drømme og ideer med os. Ved at udforske grænselandet mellem selfie-selvportrættet og det fotograf-styrede portræt skabtes en række kalejdoskopiske storyboards, der satte kunstnerspot på dialogen med medfortolkende modeller.

 

Udstillingen fandt sted i galleriets dark space i mørkekammerlysets røde skær. Besøgende kunne opleve, hvordan kunstlyset i de øvrige lokaler naturligt skiftede farve efter besøget i dark space – fordi øjnene havde vænnet sig til det røde baggrundslys. Nogle så pludseligt lyset som grønt, andre gult eller beige – selvom lyskilden ikke havde forandret sig.

 

Udstillingen var udviklet i samarbejde mellem kunstfotograf Kim Wyon fra DARK GALLERY CPH og kunstneren Mahmoud Alibadi. Udstillingen var en del af Golden Days Festival 2022 og var på plakaten fra 2. september til 28. oktober 2022.

 

 

11 marts – 20 maj 2022

 

MAKING THE INVISIBLE VISIBLE – Travel into dreams

 

MAKING THE INVISIBLE VISIBLE – Travel into dreams

 

Rejs ind i drømmeland – i galleriets dark space.

 

Cléa Castel, nyligt uddannet fotograf fra Universitè Paris 8, Vincennes Saint-Denis, i Paris, inviterer besøgende til at udforske natlige drømme i galleriets dark spaces. Tag dine venner med, læg dig på de bløde madrasser og puder, luk øjnene, lyt til historier om drømme – og del dine egne. Eller besøg galleriet alene og hvisk fortællinger om dine natlige drømme til fuldstændig fremmede gallerigæster.

 

Du kan booke en privat drømmesession på tirsdage 15:00-16:00 for dig og dine venner – eller slutte dig gruppen af øvrige tilstedeværende.

 

Mandag den 14. marts kan du være med til drømmedeling fra 19:00-21:00.

 

Cléa Castels drømmefotoserie vil også blive vist på væggene i galleriets dark space. Væn øjnene til mørkekammerets røde lys og lad dem dukke op i drømmesyne. DARK GALLERY CPH.

 

 

 

 

4. september 2021 – 1. februar 2022

 

NARCISSUS – og de syge myter / MYTHS BY MATCH LIGHT

 

Analog fotokunst i lyset fra en tændstik. Udstillingen kastede et mørkt blik på de af antikkens græske myter, der har givet anledning til nutidens psykiatriske diagnoser. Besøgende fik udleveret en æske tændstikker ved indgangen og kunne gå på opdagelse i de mange lag af fortællinger i 6 kalejdoskopiske kollager af analoge fotos skabt af kunstner og fotograf Kim Wyon.

 

Det flimrende lys fra tændstikkerne i galleriets knaldsorte dark space blev yderligere forstærket i sin dramatik i kraft af en svag luftstrøm fra en ventilator. På dage med mange besøgende i galleriet skabte svovllugten fra de tændstikkerne en atmosfære, der mindede om grotterne fra oraklet fra Delphi.

 

Antikkens klassiske græske myter om fobier, traumer og vanvid udgør grundfortællingerne bag flere af nutidens psykiatriske diagnoser. I de græske myter blev disse sindstilstande ofte betragtet som værende fremkaldt af guderne. Udstillingen søgte at spejle disse ældgamle fortællinger om galskab i vores egen paniske tidsalder med corona-pandemi og magtsyg narcissisme.

 

Under coronakrisens restriktioner forblev udstillingen åben efter aftale for lukkede grupper, herunder skoleklasser.

 

Udstillingen var skabt af fotograf og kunstner Kim Wyon.

 

Udstillingen på DARK GALLERY CPH var en del af Golden Days Festival, ANTIKKEN.

 

 

 

 

NB! MAU MAU – udstillingen er forlænget til juni 2023

MAU MAU-udstillingen er en personlig beretning, hvor en søn af en britisk soldat søger svar på sin fars rolle i det, der endte med at blive den værste britiske krigsforbrydelse mod civile siden luftbombardementet af Dresden under anden verdenskrig. Deltog hans far i forbrydelserne? Tog han krigsfanger? Oplevede han de britiske kz-lejre, hvor op mod 1,5 millioner civile blev udsat for rå tortur, sult, tvangsarbejde og epidemier?

Kender du krigsfangen på plakaten?

Dark Gallery CPH søger kontakt til Mau Mau-krigsfangen på udstillingsplakaten. Han er ukendt og blev tilfangetaget af britiske styrker i August 1955 i Kenya. I dag ville han være ca. 85 år gammel. Vi vil meget gerne høre hans historie – hvis han ellers overlevede de britiske interneringslejres systematiske dødsvold.

Udstillingen har baggrund i undertrykkelsen af den oprindelige Kikuyu-befolkning i de kaffedyrkende områder i Kenya, hvor bl.a. Karen Blixen var bosætter.

MAU MAU-udstillingen har åbent 3. april – 4. december 2021. Åbningstider: torsdag-fredag kl. 14.00-17.00, lørdag kl. 11.00-15.00.

Udvalgte udstillinger fra Dark Gallery CPH udvikles til undervisningsbrug på gymnasier og højskoler. De stilles også til rådighed for kulturinstitutioner.

Kontakt galleriet for yderligere information samt højopløste pressefotos